Презентация на тему Музыкальные стили

в начале XX века в США в результате синтеза

африканской и европейской культур и получившая впоследствии повсеместное распространение. Характерными чертами музыкального языка джаза изначально стали импровизация, полиритмия, основанная на синкопированных ритмах, и уникальный комплекс приёмов исполнения ритмической фактуры — свинг. Дальнейшее развитие джаза происходило за счёт освоения джазовыми музыкантами и композиторами новых ритмических и гармонических моделей. Важнейшие характеристики джаза — наличие в ритмике, во-первых, регулярной пульсации, так называемого «бита», а во-вторых, отклонений от этой пульсации — «свинга» (от английского — «качание», «раскачка»). Они берут свое начало в традициях африканской музыки. Свинг — одно из выразительных средств джаза. Кроме особой выразительной роли ритма джаз унаследовал и другие черты африканской музыки: трактовку всех инструментов как ударных, ритмических; преобладание разговорных интонаций в пении и подражание разговорной речи при игре на инструментах. Произведения, исполняемые негритянскими музыкантами, часто имели форму чередования очень короткого сольного мотива — зова и хорово-вого или инструментального ответа.

музыки многочастной канонизированной формы фундаментального мировоззренческого содержания. Симфония, обычно,

является сочинением для оркестра, состоящее, как правило, из нескольких частей. Это один из главнейших жанров европейской музыки. В современном понимании слово «симфония» вошло в обиход сравнительно недавно, в 70-х гг. XVIII в., само же оно очень древнего происхождения. «Симфония» по-гречески означает «созвучие». В античные времена так называли пение хора или ансамбля в унисон, а также любое гармоническое, благозвучное сочетание тонов. В средние века слово исчезло из употребления, и новая жизнь его началась в эпоху Возрождения. Но теперь в слово «симфония» вкладывался иной смысл. В музыке Возрождения были распространены многоголосные вокальные сочинения — мадригалы, канцоны. Они обычно открывались инструментальным вступлением, которое и называлось симфонией. Когда в XVII в. возникла опера, то она также начиналась симфонией — позднее такое вступление превратилось в увертюру.

dance. Этот стиль появился из звучания раннего funk и

disco 70-х годов, где, прежде всего, подчеркивался ритм, он был важнее исполнителя и песни. Disco получил свое название от слова <дискотека>. Так назывались клубы, которые не играли ничего кроме танцевальной музыки. В Нью-Йорке большинство дискотек представляли собой гей-клубы, а DJs в этих клубах особенно часто играли soul и funk с тяжелым ритмом. После исполнения в disco формате, записи получали радио эфиры и хорошо продавались. Вскоре звукозаписывающие компании и продюсеры стали <нарезать> пластинки, созданные специально в стиле disco. Естественно, что эти записи имели очень заметные pop элементы, поэтому им был обеспечен успех. Disco альбомы довольно часто не содержали много треков - обычно несколько длинных композиций с повторяющимся ритмом. Эти синглы выпускались на 12-дюймовых пластинках, что оставляло много места для расширенных ремиксов.

технологий (синтезатор) в начале 80-х годов привело к появлению

нового альтернативного стиля музыки - Electro. Но то, что публике казалось всего лишь приходящим увлечением, причудой - 2-3 хита, не больше, включая композиции Afrikaa Bambaataa ("Planet Rock") и Grandmaster Flash ("The Message"), не одна из которых не вошла в чарт Top 40 - на самом деле стало хорошим трамплином для музыкантов-наваторов, которые позднее стали создателями радикально отличающихся направлений в музыке, включая Dr. Dre (он работал с the World Class Wreckin' Cru) и крестного отца techno Juan Atkins (при участии Cybotron). Стиль Electro также привнес еще одно интересное направление для одного из первых его поклонников: Herbie Hancock, его альбом 1973 г. Headhunters с fusion хитом вновь возродился в 1983г. с синглом "Rockit", выполненном в этом стиле. Несмотря на большой успех (в этом стиле выполнен альбом Rhino Electric Funk на 4 дисках), стиль был быстро вытеснен в середине 80-х годов с появлением hip-hop движения, построенного скорее на сэмплах (часто рок-композиций), чем на линии синтезатора. Тем не менее, многие techno и dance музыканты продолжали возвращаться к такому звуку, а полномасштабное возрождение electro произошло в Детройте и Великобритании в середине 90-х г.

всеобъемлющее, что многие не видят разницы между собственно рок-музыкой

и этим, одним из ее наиболее массовых и популярных ответвлений. Резкости в рок-музыке хватало всегда - первые рок-н-роллы именно поэтому раздражали слушателей, привыкших к обтекаемой, плавной передаче музыкальных идей. Хард-рок, "призрак" которого витал в композициях поп-групп с первой половины 60-х годов, впервые принял относительно четкую форму в музыке таких групп, как "THE M15" и "CREAM" (хотя однозначно определить авторство невозможно: идея действительно носилась в воздухе, элементы хард-рока появились и в музыке "THE BEATLES", "THE ROLLING STONES", "YARDBIRDS"). Композиции в стиле "хард-рок" вызывают субъективное ощущение тяжести, достигаемое за счет выделения ритм-секции на передний план, что требует от музыкантов виртуозного владения своими инструментами. В хард-роке, помимо "выпуклости" ритм-секции, все входящие в нее инструменты напрямую связаны с мелодическим лидером - гитаристом, поэтому здесь не может быть обособленной импровизации одного инструмента, а это означает, что в импровизации участвуют все инструменты группы, создавая целостность и монолитность произведения.

в искусстве последней трети XIX — начале XX вв.

Применение термина «импрессионизм» к музыке во многом условно — музыкальный импрессионизм не составляет прямой аналогии к импрессионизму в живописи и не совпадает с ним хронологически (время его расцвета — 90-е гг. XIX в. и 1-е десятилетие XX в.). Импрессионизм возник во Франции, когда группа художников — К. Моне, К. Писсарро, А. Сис-лей, Э. Дега, О. Ренуар и другие — выступила со своими оригинальными картинами на парижских выставках 70-х гг. Их искусство резко отличалось от приглаженных и безликих работ тогдашних живописцев-академистов: импрессионисты вышли из стен мастерских на вольный воздух, научились воспроизводить игру живых красок природы, сверкание солнечных лучей, разноцветные блики на подвижной речной глади, пестроту праздничной толпы. Живописцы применяли особую технику беглых пятен-мазков, которые вблизи казались беспорядочными, а на расстоянии рождали реальное ощущение живой игры красок, причудливых переливов света. Свежесть мгновенного впечатления сочеталась в их полотнах с тонкостью и изысканностью психологических настроений. Позднее, в 80—90-е гг., идеи импрессионизма и отчасти его творческие приемы нашли свое выражение и во французской музыке. Два композитора — К. Дебюсси и М. Равель — наиболее ярко представляют течение импрессионизма в музыке. В их фортепьянных и оркестровых пьесах-эскизах с особой гармонической и ладовой новизной выражены ощущения, вызванные созерцанием природы. Шум морского прибоя, плеск ручья, шелест леса, утренний щебет птиц сливаются в их произведениях с глубоко личными переживаниями музыканта-поэта, влюбленного в красоту окружающего мира. Оба они любили народную музыку — французскую, испанскую, восточную, любовались ее неповторимой красочностью.

В классическом понимании термин относится к произведению для фортепиано

соло либо для струнного или духовного инструмента с фортепиано, состоящему из нескольких самостоятельных частей. План составной многочастной сонаты и ограничение в употреблении термина только сольными произведениями сформировались во второй половине 18 в. Слово «соната» часто употребляется также в составе термина «сонатная форма»: в этом случае оно относится не к многочастному произведению, а к формальной структуре одной части сонаты. Сонатная форма встречается также в симфониях, концертах, трио, квартетах, квинтетах, даже в увертюрах и т.д Слово «соната» образовано от итальянского глагола «сонаре» — «звучать». Впервые так стали называть свои произведения испанские композиторы XVI в. Ранние сонаты были полифоническими, например трио-сонаты для 3 инструментов — скрипки (или флейты), виолы да гамба и клавесина. Когда на смену полифоническому стилю пришел гомофонный (ведущую роль стал играть главный голос с яркой мелодией, а остальные приобрели сопровождающий, аккомпанирующий характер), то первенствующее значение приобрела соната для сольного инструмента с сопровождением, в первую очередь для скрипки. В XVII— XVIII вв. скрипичные сонаты сочиняют крупнейшие итальянские композиторы — Дж. Витали, Дж. Тартини, А. Корелли, А. Вивальди. Клавишный инструмент выполнял в них чисто аккомпанирующую функцию.

годов, оставив позади немецкое techno и hardcore. Trance базируется

на бесконечных повторениях коротких сэмплов синтезатора на протяжении всего трека, при этом допускаются минимальные изменения ритма и частотных характеристик синтезатора, чтобы иметь возможность различать композиции. Эффект от такой музыки состоит в том, что слушатели погружаются в состояние транса, сходное с религиозным. Несмотря на снижение интереса к музыке в середине 90-х, trance снова вернулся, но уже ближе к концу века, вытеснив с мировой музыкальной арены стиль house, как самый популярный стиль альтернативной танцевальной музыки. Благодаря влиянию acid house и Detroit techno, развитие trance совпало с открытием студий звукозаписи R&S Records (Ghent, Бельгия) и Harthouse/Eye Q Records (Франкфурт, Германия). R&S определила формат с такими синглами как "Energy Flash" (Joey Beltram), "The Ravesignal" (CJ Bolland) и другими композициями от Robert Leiner, Sun Electric и Aphex Twin. Студия Harthouse была открыта в 1992 Sven Vath совместно с Heinz Roth & Matthias Hoffman. Она оказала значительное влияние на само звучание trance, благодаря композициям от Hardfloor ("Hardtrance Acperience") и собственному сочинению Vath ("L'Esperanza"), плюс ко всему релизы команд Arpeggiators, Spicelab и Barbarella. Такие музыканты, как Sven Vath, Bolland, Leiner и многие другие начали играть музыку в полном объеме (без сокращений), хотя это не произвело особых поворотов в области мировой музыки.