Презентация на тему по МХК Высокое возрождение 2 часть

(начало XV — конец XV века)

Высокое Возрождение (конец XV — первые

20 лет XVI века)

Позднее Возрождение (середина XVI — 1590-е годы)

северной Италии.

цветов и света .
Лица, сюжеты, детали, приемы на картинах во многом перекликаются с современным искусством, однако при

этом полотна относятся к XIV—XV векам! Кажется, что представители Феррарской школы взяли лучшее от живописи всех времен и народов (особенно итальянского), и соединили воедино.

ФЕРРАРСКАЯ ШКОЛА
ЖИВОПИСИ

из основателей феррарской школы живописи.
ФЕРРАРСКИЙ СОБОР
СВЯТОЙ ГЕОРГИЙ

ТЕМПЕРА 1458 г./дверь

масло  Вашингтон. Национальная картинная галерея 

Голгофа, где с крестов еще не сняты тела двух

разбойников. Слева Козимо Тура изображает апельсиновое дерево, символизирующее целомудрие и чистоту, в ветвях которого притаилась обезьяна, намекающая на низменные и грубые инстинкты.
Картину Туры отличает необычная свобода пропорций. Мария выглядит обычной женщиной, красивой, но погруженной в глубокую печаль. Зато фигура Иисуса уменьшена до размеров манекена, острые кости его таза впиваются в колени матери, резко выдаются искалеченные пытками ноги. Образ мертвого Христа на руках матери должен напоминать, как она держала его младенцем, но здесь диспропорции слишком очевидны, и мы ощущаем неудобство; страсти Христовы словно находятся за пределами человеческой сути и человеческого разума.

страсти, Иероним бил себя в грудь во время молитвы.

Художники, вероятно, чтобы усилить впечатление, вкладывали в руку святого камень. 

разноцветные шелка и камни заговаривают духов, что каждый цвет

и камень имеет особое значение, свой затаенный символический смысл. Он мог легко составить себе представление и о сиянии красок витражей. Так обострялся и культивировался его прирожденный колористический дар. Среди красок Тура отдает предпочтение унаследованной от византийцев фиолетовой, светло-зеленой, густой лиловой, малиновой, розовато-красной, изумрудно-зеленой, золотисто-желтой, синей и синевато-стальной.

и мифологические фрески

школ, существовала в Венеции. Наибольшее развитие получила в XV—XVI веках.

Для этой школы живописи характерно преобладание живописных начал, яркие колористические решения, углубленное владение пластически выразительными возможностями масляной живописи.

Венеции картины принадлежат к числу лучших.
Стиль художника характеризуется высоким

уровнем технической виртуозности, тщательной проработкой деталей и интересом к монументализму форм и глубине фона, свойственным итальянской школе.

Северно – европейская школа живописи

ЧЕТКОСТЬ ПЕРЕДАЧИ ДЕТАЛЕЙ

ТЕМНОМ ФОНЕ
Свет на портрете обычно падает слева, навстречу лицу.

Тени тонко моделируют лицо.

Портрет неизвестного 1474г.

внутренний мир человека, главное –моделирование фигуры

мучителен. Нагой Христос, с веревкой вокруг шеи и слезами

на лице, пристально смотрит на нас. Фигура почти полностью заполняет поле картины; трактовка сюжета отходит от иконописной отвлеченности в сторону передачи физической и психологической реальности образа Христа, что заставляет нас сосредоточиться на смысле его страдания.

фоне, как бы подчёркивая этим и свою внешность и

свою отрешённость от мира. Однако в своей картине Антонелло да Мессина смог подчеркнуть глубину картины, отодвинув фигуру женщины на задний план при помощи пюпитра и книги, которая находится перед Марией.

–основная задача художников того времени.
Святой Иероним в келье

ГЛУБИНЕ)

советника турецкого султана (Константинополь)
Портрет писаря (декоративность)
Парадный портрет османского

султана Мохмеда второго /Фатих

роль отводится колориту и свету.
«Пьета» 1470 г.
Скульптурность форм, фигуры

близко к поверхности, сила картины – недосказанность (многозначность движений).

внутри пейзажа, а не на его фоне.

оплакивания

и других стационарных основаниях. Также возможно определение «монументально-декоративная роспись».

Благодаря стационарности и долговечности произведений монументальной живописи многочисленные её образцы остались практически от всех культур, создавших развитую архитектуру, и подчас служат единственным видом сохранившихся живописных произведений эпохи.

ТЕОРЕТИЧЕСКИЕ
СВЕДЕНИЯ

произведения которого имеют самостоятельное значение и воспринимаются независимо от

окружения. Буквально — живопись, созданная на станке (мольберте).
Произведение станковой живописи — картина — создаётся на  холсте, картоне, доске, бумаге, шёлке и предполагает самостоятельное и не обусловленное окружением восприятие.
Основные материалы станковой живописи — масляные, темперные и акварельные краски, гуашь, пастель, акрил.
На Дальнем Востоке получила преимущественное распространение живопись тушью (в основном — монохромная), зачастую интегрирующая каллиграфию.
Особое место занимает монотипия — псевдотиражная техника живописи, использующая характерный для эстампа приём нанесения красочного слоя на бумагу отпечатыванием с доски (металлической, пластиковой, стеклянной).
Европейская картина, как правило, отделяется от окружения рамой или паспарту, восточная традиция оставляет живопись в листе или свитке, иногда дублируя на декоративное основание.

Станковая живопись — один из основных видов изобразительного искусства, наиболее богатый жанрами и стилями.

группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности, в

том числе художественными средствами...

Кроме внешнего, индивидуального сходства, художники стремятся в портрете передать характер человека, его духовный мир.
К жанру портрета относятся: поясной портрет, бюст (в скульптуре),портрет в рост, групповой портрет, портрет в интерьере, портрет на фоне пейзажа.
По характеру изображения выделяются две основные группы: парадные и камерные портреты.
В камерном портрете используется поясное, погрудное, поплечное изображение.
В парадном портрете фигура обычно дается на архитектурном или пейзажном фоне, а в камерном - чаще на нейтральном фоне. Как правило, парадный портрет предполагает изображение человека в полный рост (на коне, стоящим или сидящим).